Il trovatore en el MET. 3 de octubre de 2015.

Un Trovatore de alta calidad (¿y heroísmo?)

La actual producción de Il trovatore en el MET tuvo su premier en 2009 y la función del 3 de octubre fue la cuadragésima de la misma y la segunda vez que se transmite en alta definición, lo que demuestra la altísima popularidad de este título verdiano. La producción con la que Sir David McVicar debutó en el MET, mueve la época de la acción de una guerra civil en el siglo XIV a la intervención napoleónica en España a principios del siglo XIX. Este desplazamiento temporal no atenta contra el espíritu de la ópera, aunque tampoco le añade un nuevo elemento dramático.

 

De hecho, la producción se centra en las intenciones de Verdi, quien veía en Azucena al personaje principal de la tragedia, y de Antonio García Gutiérrez autor de El trovador, que enfocó su atención en el despertar de la sexualidad de Leonora. Es decir, las mujeres son los personajes importantes en esta ópera en la que los hermanos y rivales de amores y armas forman el marco en el que se desarrollan las pasiones ellas. De hecho, cada uno de los actos está dominado por ellas alternativamente, el primero y tercero pro Leonora y el segundo y cuarto por Azucena.

 

Contra este fondo dramático la producción de McVicar es muy eficiente. La escenografía diseñada por Charles Edwards cumple con su objetivo al presentar las ocho escenas de la ópera al mover alternativamente los dos segmentos en los que se divide el escenario, modificando la ornamentación de la pared de mayor altura en cada ocasión. Durante todas las escenas en que aparecen gitanos, se ve al fondo una serie de personas sacrificadas por ahorcamiento o crucifixión y cuando la hoguera es el elemento dominante, se representa como un poste quemado que recuerda claramente un gran símbolo fálico. El vestuario que fue diseñado por Brigitte Reiffenstruel, es muy atractivo en cuanto a Di Luna y sus hombres y muy apropiado a los gitanos que siguen a Manrico; Azucena es caracterizada como una vieja gitana atormentada. Anna Netrebko decidió usar un vestuario diferente al original para Leonora, deseo satisfecho por la gerencia del MET. La iluminación diseñada por Jennifer Tipton es muy interesante, pues subraya las situaciones dramáticas con un muy atractivo uso de claroscuros. La coreografía de Leah Hausman es mediocre pues no aprovecha la oportunidad que le dan los dos coros principales. Las gitanas no bailan en su momento y unas furcias coquetean con los soldados haciendo como que bailan. Paula Williams dirigió la escena en la actual reposición respetando la idea original y controlando adecuadamente los movimientos en el escenario.

 

Dolora Zajick “es” la Azucena del MET. Debutó cantando este papel en 1988 y desde entonces no hay quien haya logrado cantar y actuar una gitana como ella lo hace después de 27 años.  Transmite desesperación, odio y pavor a la hoguera, más no locura. Durante el dueto con Manrico en el segundo acto, simplemente “se comió” a Yonghoon Lee.

 

Anna Netrebko, con un vestuario a su medida, logró también una espléndida tarde en su desempeño. Su voz se encuentra en el momento ideal para cantar Leonora, imbuyéndola de esa sexualidad anhelada por García Gutiérrez, pese a que, como producto neto del romanticismo español, fallará tres veces, una al no entrar al convento, otra al interrumpirse su boda y la última al morir. Cantó admirablemente “Tacea la notte placida” y, aunque no cantó los trinos de la cabaletta, logró la coloratura que le da una brillantez especial a “Di tale amor”. En el terceto que le sigue hizo gala de su faceta dramática y durante el final del segundo acto, en el que la intervención de Leonora es extremadamente redundante, logró que el aplauso después del último “Sei tu dal disceso o in ciel son io con te?” fuese por su calidad interpretativa y no porque terminaron todas las repeticiones del segundo acto. El aria del cuarto acto es un tour de force para la soprano, pues tanto el cantabile “”D’amor sull’ali rosee”, como la cabaletta “Tu vedrai che amore in terra” tienen una gran dificultad, el tempo de mezzo que la separa es, en mi opinión, el más hermoso de toda la ópera romántica italiana; me refiero al “Miserere” en el que la Netrebko cantó maravillosa y verídicamente. Puedo afirmar que la rusa ya hizo el cambio de lírica ligera a lírica con mucho éxito, lo que aunado a su innato talento de actriz dramática, hará que sea una de las figuras dominantes de la ópera en los próximos diez años, independientemente de lo que ha logrado gracias, en parte importante, a una manejo de sus equipos de marketing y relaciones públicas. Estas herramientas no producen efectos duraderos si el producto no es de alta calidad, y estoy convencido que usando esta metáfora, Anna Netrebko lo es.

 

Dmitri Hvorostovsky es un gran profesional de la ópera o un irresponsable. No quiero que se malentienda lo anterior. Presentarse en el MET en un papel tan difícil vocalmente, a la vez que atractivo musicalmente, después de unos meses de haber anunciado padecer un tumor cerebral y haber estado, o aún estar, sometido a tratamiento, es impresionante. Lo es más al haber logrado uno de las mejores representaciones, si no es que la mejor, del conde Di Luna en vivo. Durante el terceto del primer acto estuvo fantástico al exclamar “Un accento proferisti che a morir lo condannò!”, pero cantó fantásticamente “Il balen del suo sorriso” agregando más virilidad en “Per me, ora fatale”. Al entrar en escena el público lo recibió con un fuerte aplauso que el siberiano agradeció con un leve movimiento de cabeza, pero al terminar la ópera, el aplauso fue estruendoso y largo y, como sucedió en las funciones anteriores los miembros de la orquesta lo premiaron arrojándole flores blancas, que el cantante organizaba en ramos para cada una de sus compañeras de elenco. Al cerrarse el telón después de los largos aplausos Hvorostovsky se veía cansado desde mi posición en el auditorio.

Yonghoon Lee encarnó un Manrico actuado mediocremente y cantado sin mucha fuerza, su voz se oía muy poco en el terceto del primer acto, desaparecía a momentos en el final del segundo y no fue brillante en la infame “Di quella pira” de la que no cantó la repetición después de haber llegado un do sobreagudo no muy claro. Fue el eslabón débil en una cadena cuyos otros eslabones fueron de titanio. ¿Es que no hay Manricos?

 

Stefan Kocán cantó un adecuado Ferrando que hubiera sido mejor si hubiera cantado en italiano. Digo esto pues no se le entendió una sola palabra. Es claro que para ser un gran cantante de ópera se necesitan más elementos que tener una voz educada y un buen  desempeño actoral; uno de ellos es el dominio de los idiomas.

 

Los cantantes secundarios, Maria Zifchak como Ines, Edward Albert como un viejo gitano, Raúl Melo como Ruiz y David Lowe como el mensajero, tuvieron un buen desempeño.

 

Marco Armiliato es garantía de que no habrá desastres en una función de una ópera, pero también lo es que no se encontrarán delicadezas en la orquesta. De hecho es un firme creyente en detener el curso musical para provocar el aplauso a los cantantes quienes, por supuesto, lo adoran. Su desempeño fue el esperado al fluctuar entre el genio, la corrección y la vulgaridad del Verdi medio. El coro tuvo un muy buen desempeño.

 

Una sólo queja tengo, ¿por qué se oían los yunques como si fueran de cartón al recibir los mazazos durante el coro de los gitanos?