Eric Halfvarson
Después
de la “puesta en escena” de Rigoletto en
el MET por un total Michael Mayer, supongo que galardonado con un “Emmy” en
Broadway y que debutaba en ópera, me imaginaba que cualquier otra producción
sería mejor. Y, sí, el director de teatro de la UNAM, logró otra “puesta” no
pero, pero al menos de igual calidad que la del MET. Todas las escenas se
desarrollaron paralelamente al proscenio, el diseñador de la escenografía
(perdón, pero no recuerdo los nombres de los diseñadores) evitó cualquier línea
diagonal que aprovechase la profundidad del escenario en momentos como el
segundo cuadro del primer acto, o todo el tercer acto; el diseño del vestuario ligeramente
anacrónico, no fue excepcionalmente atractivo y, sí, el diseño de la
iluminación, o por lo menos su ejecución, estuvieron abajo del nivel usual de
Bellas Artes, y eso es decir mucho. Lo más jocoso de lo que se ocurrió al
ponedor fue el final del acto 1, en el que vemos la casa de Rigoletto de
frente, por supuesto paralela al proscenio, con Gilda cantando en un balcón.
Los cortesanos, habiendo engañado a Rigoletto, quien se queda a un lado de la
casa, invisible para un gran sector del público sentado hacia la derecha del
escenario, se alinean ante el balcón, dibujando otra paralela, y se hincan a
admirar a Gilda cantando las últimas notas de “Caro nome”, como si estuvieran
adorando a la Virgen de Guadalupe. De verdad, créanlo. El uso de las paralelas
también conspiró contra la teatralidad del tercer acto, ya que el ponedor
decidió situar la posada de Sparafucile y su hermana ¿qué creen?, paralela al
proscenio, con un hoyo en la pared que nos permitía ver tanto el interior de la
taberna, como el andar y cruzar la escena continuamente a Rigoletto. Uno
aspecto en los que la falta de conocimiento musical del ponedor se hizo manifiesta,
fue eliminar cualquier relámpago después de la entrega de Gilda a Rigoletto, relámpagos
que son sugeridos, más bien ordenados, por los arpegios de las flautas. Un
relámpago es lo que permite a Rigoletto reconocer a su hija.
Por
la parte musical, los cantantes tuvieron un desempeño arriba del promedio de lo que he oído
en Bellas Artes este año. Como en toda actividad de desempeño, la calidad no
puede ser excelsa en todos sus componentes, ni despreciable en los mismos. Por
fortuna no hubo nada despreciable y sí hubo un cantante realmente de clase
mundial y cantando en un muy buen día, Eric Halfvarson fue un impresionante
Sparafucile, tanto por la belleza de su voz (juicio subjetivo) como por su
entonación y sus notas bajas, ese Fa final al cantar su nombre fue perfecto
(juicio objetivo). Elena Gorshunova como Gilda no le fue a la zaga y logró una
estupenda caracterización vocal y actoral. Vladimir Stoyanov fue un Rigoletto
como el que se pudiese oír en cualquier teatro del mundo, aunque no en una
buena noche en especial. Llego al punto que me decepcionó un poco; el Duque de
Arturo Chacón, por supuesto no desde el punto de vista escénico, pero musicalmente
su voz me pareció un poco estridente en las notas altas; yo diría que tiende a
cantar dichas notas con una muy ligera, pero notable, desafinación hacia
arriba, es decir agudizando las notas (¿cantando “sharp” como contraposición a
calante, es decir “flat”?) Creo que Chacón puede manejar esto fácilmente, si mi
apreciación es correcta. Lydia Rendón fue una aceptable Maddalena.
Mención
aparte merece el hecho de que cuatro de los personajes secundarios fueron
miembros del Estudio de la Ópera de Bellas Artes, teniendo buenas actuaciones
musicales, destacando Óscar Velázquez como Monterone y en lo escénico,
exceptuando a Rosa de Muñoz como Giovanna, que nunca supo qué hacer con sus
manos. Los otros papeles secundarios fueron correctamente interpretados por
Jorge Eleazar Álvarez, Arturo López Castillo y Martín Luna.
Fue
la primera vez que experimenté la dirección de Srba Dinic, titular de la
Orquesta y el Coro del Teatro de Bellas Artes. Puedo decir que lo hizo
regularmente, pero también puedo decir que su mano aún no se siente en la
Orquesta, que suena tan desafinada como nos tiene acostumbrados. Un detalle me
dio risa. La música que interpreta la banda interna (o en el escenario
propiamente hablando) fue dividida en dos partes, una, la de los alientos fue “interpretada”
en las piernas del escenario por una grabación y, por supuesto, se oyó afinada;
las cuerdas, en cambio, se interpretaron en el foso y, por supuesto, se oyeron
desafinadas. Debo decir que el resultado fue original. Lo del uso de la
grabación está confirmado por dos fuentes de confianza (hecho objetivo) aunque
lo de la desafinación de las cuerdas es un juicio subjetivo. Hasta donde sé
esta curiosa “solución” fue propuesta por el maestro Dinic“ ya que así se usa
en muchas casas de ópera [provinciales]”.
El
Coro lo hizo bien, aunque insisto que mejoraría con un director titular y no
con directores por obra y tiempo determinados.
En
resumen, esta función de Rigoletto no fue la peor que he visto ni, claramente,
la mejor. Las importaciones fueron de muy buen nivel y creo que el público que
asistió a cualquiera de las funciones tuvo la oportunidad de oír y gozar de uno
de los grandes bajos de la actualidad. A cambio, tuvimos otro ponedor de escena.
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